Paper Session 01

06.09.2021 // 09.00–10.00 // Room A 022

Christina Richter-Ibáñez (Tübingen)
«Was erzählen Lehrveranstaltungslisten über das Fach Musikwissenschaft?» (P01)

Maren Bagge (Hannover)
«In Memoriam – Akademische Nachrufe aus fachgeschichtlicher Perspektive» (P02)

Keynote 2: Lunch Lecture

06.09.2021 // 11.00–12.30 // Room S 003 // Chair: Lea Hagmann

Simon McKerrell (Newcastle)
«Towards a More Musical Musicology for All» (K2)

Panel 02: Narrating Music Theory: Zu den Anfängen einer wechselhaften Fachgeschichte

06.09.2021 // 14.30–16.45 // Room A-126 // Chair: Margret Scharrer

Nathalie Meidhof (Bern)
«Musiktheorie als historisches Fach» (S2.1)

Claudio Bacciagaluppi (Bern)
«Die Rezeption von Fétis’ Historisierung der Tonalität» (S2.2)

Michael Lehner & Stephan Zirwes (Bern)
«‹Natur der Harmonik› oder ‹angeregter Fortschritt›? Carl Friedrich Weitzmanns frühe Fachgeschichte zwischen Historie und Systematik» (S2.3)

Paper Session 03

06.09.2021 // 14.30–16.15 // Room A 022 // Chair: Moritz Kelber

Nicole Strohmann (Hannover)
«Musik – Wissen – Narration: Interdependenzen von Digitalität und Fachgeschichtsforschung» (P06)

Barbara Alge (Frankfurt):
«Multimodal, vernetzt… und divers? Musikwissenschaft innerhalb nationaler Forschungsdateninfrastrukturen» (P07)

Karl-Ulrich Krägelin (Osnabrück / Göttingen)
«Bibliographic Data Science und die Fachgeschichte der Popularmusikforschung» (P11)

Candace Bailey (North Carolina)
«Music in 1853: Alternative Narratives» (P10)

Paper Session 04

06.09.2021 // 14.30–16.45 // Room A-122 // Chair: Vincenzina Ottomano

Anja Brunner (Wien)
«Musicology and its Colonial Heritage: A Plea for the Decolonisation of our Discipline» (P08)

Marcello Sorce Keller (Lugano / Bern)
«Ethnomusicology: Has it Been a Success Story?» (P09)

Britta Sweers (Bern)
«Beginnings and Transitions: Challenges of Narrating Ethnomusicology» (P12)

Golan Gur (Wien)
«Music and Narratives of Empowerment» (P13)

Panel 1: «Reconsidering Inherited Frameworks: Taking the Colonial Turn to Music Historiography» (S1)

This panel investigates deep histories of the framing of music historical narratives. Our particular interest is the construction of practices that influence historical writing, music analysis and performance today, and how these practices bear traces – so ingrained as to be overlooked or even tacitly accepted – of nineteenth-century colonialism and white supremacy.

Paper 1 proposes that, in the UK and North America, late nineteenth-century political ideologies around the supremacy of the white «Anglosphere» (for example those of Cecil Rhodes) laid foundations upon which key tenets of twentieth-century musical writings such as those of the theorist Heinrich Schenker could flourish. That the writings of Schenker and his emigre followers are usually considered «German» in origin requires us to reflect on the archaeology of our current moment, in which English-speaking scholars are confronting the «white racial frame(s)» of their disciplines.

Paper 3 rounds off our excursions into constructions of music history as a discipline by investigating how colonialist rhetorics continue to inform musical performances. A particular case in point is the field of Early Music and its often tortuous accommodations with dominant ideologies, for example the tension between ‹historical› vocal production and the staging of Baroque opera in modern theatres. The validation of performance through scholarship and vice-versa results in processes of boundary-policing that hold the discipline of musicology in a place that requires urgent critical investigation.

Paper 1: «White Racial Utopias in Early Twentieth-Century Anglo-American Music Historiography: An Archaeology of the ‹White Racial Frame›» (S1.1)

Philip Ewell’s recent diagnosis of Anglo-American music theory’s «white racial frame» turns on the dubious legacy of Heinrich Schenker, whose perspectives on canonical composers set the tone in postwar American music theory. As Ewell argues, in a field where 94% of professional practitioners are white, Schenker’s framing of «great» Western music in terms of white supremacy has gone shamefully un-noticed.
This paper offers some further context to Ewell’s analysis. In 1930s North America Schenker’s racism fell on willing ears thanks to the widespread consensus that the «white race» was destined to rule the world politically, culturally and morally. Duncan Bell has recently shown how pervasive doctrines of white supremacy were in Anglo-American political and cultural discourse, starting from late Victorian theories about the «manifest destiny» of «teutonic» Anglo-Saxons to rule the world and continuing in the racist imaginaries of such figures as Cecil Rhodes in Britain and Southern Africa, Andrew Carnegie in the US and Goldwin Smith in the US and Canada.
Their ideas echo in the writings of the composer Hubert Parry, inaugural professor of music history at the Royal College of Music and later Heather Professor of Music at Oxford. Parry’s scholarly and popular texts return often to the superiority of «Northern» (white) composers, whose particular resolution of tensions between form and expression was, he believed, a function of a racial disposition shared by Germanic and Anglo-Saxon peoples. The period between 1900 and 1939 saw the foundation of many music departments at North American universities. Parry’s books were often the first ones they acquired. It is no wonder that Schenkerianism, likewise (if less overtly) underpinned by whiteness, found such a receptive public.

Paper 3: «Policing the Borders: Musicology, Performance, and the Invention of Early Music» (S1.3)

‹Nowhere is the connection between theoretical musicology and musical performance as close as in the field of historical performance practice›, states the author of ‹Aufführungspraxis› in MGG. This paper will argue that the mutual appropriation of one by the other in order first to construct a symbiotic relationship, and then to hold onto a hegemonic position as joint arbiters of what is, by any definition, a wholly artificial and anachronistic construction – the field called ‹Early Music› – has been one of the more remarkable successes of the maintenance of canonicity in both the repertoire of Western music and the way it is performed. Early Music’s durability against all the odds can with some justification be compared to nineteenth-century colonialism (with which its development was concurrent), particularly in the ways in which it polices its ideological boundaries, even as its practitioners have exponentially expanded Early Music’s domains. It might be characterised as classic subjectification and appropriation of new ‹territories› of historical musical materials as they have been ‹rediscovered› by music historians and ‹historical performers›, through an Althusserian process of interpellation by the various apparatuses of the academy and the commercial art-music performance world. Once incorporated into the dominant (‹mainstream›) powerbase, these subject territories are policed according to the shifting parameters of the prevailing ideology either by agents such as teachers, critics, or promoters, or through a process of self-regulation by musicians and (to a lesser extent) scholars. A specific example of the kinds of tensions created by this process of policing is the highly charged question of ‹historical› vocal production on one hand, and the ‹historical reconstruction› of seventeenth-century music theatrical works in the modern opera house. Taking recent productions of Monteverdi’s l’incoronazione di Poppea as a case study, the paper examines how Early Music’s strategies of survival exemplify classic features of late capitalism.

Dr. Thomas Irvine is Associate Professor and Director of Undergraduate Programmes in Music at the University of Southampton. His recent scholarly work focuses on global intellectual histories of music.

Prof. Richard Wistreich (Royal College of Music) is a social historian of performance, and particularly of voice in the early modern period. He also had a long career as a singer, and is a veteran of the early music revival. He was Professor für Gesang (Alte Musik) at the Staatliche Hochschule für Musik, Trossingen, from 1999–2003.

«Was erzählen Lehrveranstaltungslisten über das Fach Musikwissenschaft?» (P01)

Christina Richter-Ibáñez, Tübingen

Musikwissenschaftliche Lehrveranstaltungen wurden und werden nicht nur in Vorlesungsverzeichnissen angekündigt, sondern seit 1918 in der Zeitschrift für Musikwissenschaft und deren Nachfolgezeitschriften regelmäßig gelistet. Dennoch gingen diese Angaben nur vereinzelt in die Forschung ein, da die Problematik im Umgang mit und der Auswertung von Vorlesungsverzeichnissen, besonders deren verkürzter Wiedergabe in Zeitschriften zu groß erschien: Die Meldungen sind oft nicht vollständig, kurzfristige Änderungen finden keine Berücksichtigung und Veranstaltungstitel lassen kaum auf den tatsächlich in der Lehre verhandelten Inhalt schließen. Seit mehr als einem Jahrhundert melden dennoch Institute ihre Lehrveranstaltungen an deutschsprachige musikwissenschaftliche Fachzeitschriften. Heute werden die Angaben zwar nicht mehr gedruckt, aber auf der Homepage der Gesellschaft für Musikforschung sind aktuelle und vergangene Lehrveranstaltungen in Textform einsehbar. Mit welchem Zweck geschieht dies? Ist das in Zeiten digitaler Informationsmöglichkeiten noch notwendig? Und was sagen diese Listen eigentlich über den Stand der Musikwissenschaft und die Verortung der Wissenschaftsgeschichte in der musikwissenschaftlichen Lehre aus?

Um diese Fragen am Ende zu diskutieren, untersucht der Vortrag die Frühzeit der Lehrveranstaltungsmeldungen zu Beginn des 20. Jahrhunderts und zeigt, welche Erkenntnisse deren systematische Auswertung bringen kann. Im Plenum wird dann zu diskutieren sein, inwiefern die Aufarbeitung dieses Materials für die Geschichte der Musikwissenschaft einen Mehrwert bereithält.

Christina Richter-Ibáñez ist akademische Mitarbeiterin am Musikwissenschaftlichen Institut der Universität Tübingen und arbeitet an einem Forschungsprojekt zur Übersetzung von an Sprache gebundener Musik. Zuvor war sie an der Paris Lodron Universität Salzburg im interuniversitären Forschungsprojekt Musik und Migration, an der Universität Tübingen in Projekten zur Geschichte der Musikwissenschaft sowie an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart in Lehre und Forschung tätig. Sie wurde mit der Arbeit Mauricio Kagels Buenos Aires (1946–1957). Kulturpolitik – Künstlernetzwerk – Kompositionen (Bielefeld 2014) in Stuttgart promoviert.

«In Memoriam – Akademische Nachrufe aus fachgeschichtlicher Perspektive» (P02)

Maren Bagge, Hannover

Nachrufe wurden in den letzten Jahren vermehrt zum Forschungsgegenstand verschiedener Disziplinen. Insbesondere in den Sozial- und Literaturwissenschaften erfährt die Textgattung, die in der Regel auf eine memorialisierende Wirkung hin fokussiert ist, zunehmende Aufmerksamkeit. Musikwissenschaftliche Untersuchungen, die sich dieser Form der Memorialliteratur widmen, liegen bisher jedoch nur vereinzelt vor, eine umfassende Analyse steht noch aus.

Auch akademische Nachrufe, meist in Fachzeitschriften wie etwa seit 1948 in Die Musikforschung publiziert, wurden bisher aus musikwissenschaftlicher Perspektive noch nicht systematisch untersucht. Die Betrachtung von akademischen Nachrufen verspricht jedoch – neben biographischen Einblicken in das Forscher(innen)leben der Verstorbenen – Erkenntnisse über Fachstrukturen und -kulturen sowie das Selbstverständnis des Faches. Sie lassen sich als fachhistorische Erzählungen verstehen und auf verschiedene musikwissenschaftsgeschichtliche Fragestellungen hin untersuchen.

Als «Kanonisierungsinstanz» und im Kontext des Diskurses um Biographiewürdigkeit betrachtet, erscheint einerseits die Frage, über wen akademische Nachrufe in einschlägigen Fachzeitungen veröffentlicht wurden von Interesse. Dabei geraten auch die Autoren und Autorinnen der Nachrufe als erinnerungskonstituierende Akteure und Akteurinnen in den Blick. Anderseits spielen aber auch Fragen nach der Art des Erzählens eine wichtige Rolle. Welche Narrative, Diskurse, Zuschreibungen, Selbst- und Fremdpositionierungen lassen sich in den akademischen Nachrufen erkennen? Wie haben sich diese verändert? Ist ein Wandel, etwa in Hinblick auf die im Call for Papers aufgerufene Diversität, Inklusivität oder (Inter-)Nationalität des Faches festzustellen? Diese und weitere Fragen sollen im Vortrag an die hier als Medium der Wissenschaftsgeschichtsschreibung verstandenen Nachrufe gestellt und diskutiert werden.

Maren Bagge studierte Mathematik, Musik und Musikwissenschaften an der Leibniz Universität Hannover und an der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg mit den Abschlüssen Bachelor of Arts, Master of Education (Musik/Mathematik) und Master of Arts (Musikwissenschaften). Seit 2014 ist sie wissenschaftliche Mit­arbeiterin an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover am Forschungszentrum Musik und Gender, wo sie 2020 ihre Dissertation «Favourite Songs. Populäre englische Musikkultur im langen 19. Jahr­hundert» fertiggestellt hat. Zu ihren Forschungsschwerpunkten und -interessen gehören Musik­geschichts­schreibung, Musik im Museum, musikwissenschaftliche Genderforschung sowie kultur­wissen­schaftliche Fragestellungen zur Musikgeschichte des 18. bis 20. Jahrhunderts, die sie u.a. mit Ansätzen aus der Netz­werk­forschung und der Biographik verknüpft.

Keynote: «Towards a More Musical Musicology for All» (K2)

Simon McKerrell (Newcastle University, UK)

In this talk I will discuss how musicologists (broadly defined) have, to a greater or lesser extent, fallen victim to forms of politically narrow ideology that have over time, made our discipline(s) less useful to the people around us with whom we live. I will present a personal vision of how moving away from politically narrow thinking, and towards greater experiential pluralism, might offer a more useful vision of music studies for the 21st century. A form of musical scholarship that begins with musical participation and our aesthetic experience of performance itself, and that serves not just academics, but our publics and children too. That priorities audiences for musicology beyond the academy. The relativism of ethnomusicology, where I was trained, has come under challenge in recent years. That deep belief in people’s experience as their own, and the attempt to explain Other’s musics to the world, has been re-made in the last two years as intellectually imperialist and racist. Similarly, the problems surrounding music analysis and accusations of racism in musicology have focused upon the privileging of white, elite, Western cultural forms above alternative visions of the world. What I will argue is that attempts to have an egalitarian, or a more equitable musicology that is free from prejudice, is not an attainable ambition because it is driven by ideological thinking that does not account for music as something that is principally aesthetic and plural, and therefore bound to the particularities of our somatic experience in place and time. In today’s world, there is no single ‹music› anymore just as there is no singular politics; one cannot study music in isolation but the approaches across any discipline now requires either great specialisation in an attempt to reduce the complexity and present a coherent narrative, or such breadth of intellectual agility it breaks down our older genre-based narrative walls. Pluralism when authentically enacted, involves living with tensions and being able to account for different values and beliefs, and remaining in dialogue. I argue that for us to move beyond accusations of racism or prejudice, we need to have musicological tools that are less ideological and more musical and aesthetic. That makes music-making itself crucial to any useful musicology. We must therefore renew our familiarity of musical practice itself, not theoretically, but we, as musicologists ourselves, must begin from practice and the visceral and somatic understanding of music making that is immanent and real.

Simon McKerrell is interested in the social impact of music and how this relates to policy. He is the author of Focus: Scottish Traditional Music (Routledge), and the Co-Editor of both Music as Multimodal Discourse: Media, Power and Protest (Bloomsbury) and Understanding Scotland Musically: Folk, Tradition, Policy (Routledge). He is a Reader in Music and Society at the International Centre for Music Studies at Newcastle University and has previously held positions at the Universities of Sheffield, Glasgow and the Royal Conservatoire of Scotland, and prior to this worked at the National Piping Centre in Glasgow. He is the current Chair of the British Forum for Ethnomusicology and is an expert performer of Highland-, Border- and Uilleann-pipes and has toured, taught and performed throughout the world and recorded twelve commercial albums.

Panel 2: «Narrating Music Theory: Zu den Anfängen einer wechselhaften Fachgeschichte» (S2)

Paper 1: Musiktheorie als historisches Fach (S2.1)

Nathalie Meidhof (Bern)

Seit etwa 30 Jahren hat Musiktheorie sowohl als Lehrfach als auch als Forschungsfeld entscheidende Umwälzungen erfahren, insbesondere durch den Fokus auf die Erforschung und Anwendung historischer Modelle und Methoden in Satzlehre und Analyse. Mit den Beiträgen etwa von Carl Dahlhaus und Thomas Christensen wurde erstmals die eigene Fachgeschichte überhaupt kritisch reflektiert. Diese Impulse lassen sich wiederum selbst historisch als Reaktionen auf eine etwa hundertjährige ›Verkrustung‹ erklären. In der Gründungsphase musikwissenschaftlicher Institute des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts wurde Musiktheorie zunehmend aufgespalten: An den Universitäten dominierte Musikforschung als geschichtswissenschaftliche Disziplin. Das Berner Institut stellte hier mit dem musiktheoretisch-psychologischen Ansatz des Gründers Ernst Kurths gewissermassen eine Ausnahme dar. Als Teilbereich von Musikwissenschaft fand die Erforschung theoretischer Traktate und Lehrschriften statt, an Konservatorien (später Musikhochschulen) wurde Musiktheorie weitestgehend zur ahistorischen Lehrdisziplin für die künstlerisch-praktische Ausbildung von Musikerinnen und Musikern. Das Fach wurde zum propädeutischen Zulieferer herabgestuft, angewandt wurden scheinbar überhistorisch greifende Konzepte. Dabei war Musiktheorie im 19. Jahrhundert ebenso vom «historischen Fieber» geleitet wie fast sämtliche Bereiche des geistig-kulturellen Lebens und entdeckte ihre eigene Geschichte.

Die Selbstvergewisserung der Musiktheorie als geschichtliches Fach in den letzten Jahrzehnten darf durchaus als eine Erfolgsgeschichte verstanden werden, die dabei ausgelösten Prozesse sind aber keinesfalls abgeschlossen. In diesen frühen Diskursen um eine Geschichte der Musiktheorie lassen sich insbesondere Anknüpfungspunkte und Herausforderungen auch für die heutige Ausrichtung einer ›historically informed music theory‹ finden.

In unserem Panel wollen wir den Fokus auf die Diskurse vor der Separierung lenken. Ergänzend zu diesem ersten Beitrag mit einer überblicksartigen Zusammenstellung der bedeutendsten Positionen zur frühen Fachgeschichte im 19. Jahrhundert, wird in zwei Fallstudien das Verhältnis von Historie zu Systematik bzw. zeitgenössischer Theoriebildung diskutiert. Die Frage nach Motivation, Intention und Rezeption ihrer Ideen soll dabei im Vordergrund stehen.

Paper 2: «Die Rezeption von Fétis’ Historisierung der Tonalität» (S2.2)

Claudio Bacciagaluppi (Bern)

Thomas Christensen hat 2019 ausführlich die Tragweite von Fétis’ Konzept der Tonalität dargestellt, das in seinem Traité complet de la théorie et de la pratique de l’harmonie (1844) eingehend beschrieben wird. Fétis ging es 1844 primär um die Untermauerung seiner eigenen harmonischen Theorien. Gleichzeitig entwarf er im dritten Buch seines Traktats mit seiner Geschichte der Tonalität in vier Schritten (unitonique vor Monteverdi, transitonique im 17., pluritonique im 18. und omnitonique im 19. Jahrhundert) eine erste genuin historische Skizze der Musiktheorie: Seine Theorie «est en même temps l’histoire des progrès de l’art, et la meilleure analyse des faits qui s’y manifestent» (gleichzeitig die Geschichte der Fortschritte in der Kunst und die beste Analyse der dort erscheinenden Tatsachen). Konsequenterweise sind aber die Traktate vergangener Theoretiker nicht als unzulängliche Versuche, eine immerwährende Musiktheorie zu beschreiben, sondern als vollwertige Bemühungen zu betrachten, das jeweils geltende System zu beschreiben. Eine solche Sicht ermöglicht also eine Geschichte der Musiktheorie, die über eine einfache Aufzählung und Kritik der älteren Traktate hinausgeht.

Das Werk des europaweit bekannten Theoretikers und Historikers wurde noch im gleichen Jahr von Emanuele Gambale auf Italienisch übersetzt. Doch gerade seine evolutionistische Begründung und somit der historische Aspekt der Musiktheorie warf hohe Wellen auf: Dass Tonalität eine Geschichte hat, und damit auch das Musikhören und -erleben sich über die Jahrhunderte fundamental verändert haben könnte, bestritten viele vehement. Alberto Mazzucato schrieb beispielsweise 1855 apodiktisch, dass «la tonalità fu, è e sarà sempre una, identica, immutabile» (Tonalität war, ist und wird immer eine sein, identisch, unveränderlich). Abramo Basevi, der Fétis hingegen nahestand, löste das Problem in seiner Introduzione ad un nuovo sistema d’armonia (1862) mit der psychologischen Unterscheidung zwischen «sensazione» (der einfachen Sinneswahrnehmung) und «percezione» (der durch erlernte Vorstellungen beeinflussten Wahrnehmung). Historisch habe sich laut ihm der Anteil an «percezione» ständig vergrössert, was eine immer raffiniertere Handhabung der Dissonanzen ermöglichte. Sein Traktat wurde übrigens auch auf Französisch übersetzt (Introduction à un nouveau système d’harmonie, 1865). Basevis psychologische Entwicklungstheorie wurde in Italien durch Baldassarre Gamucci am Ende des Jahrhunderts wieder aufgenommen.

Paper 3: «‹Natur der Harmonik› oder ‹angeregter Fortschritt›? Carl Friedrich Weitzmanns frühe Fachgeschichte zwischen Historie und Systematik» (S2.3)

Michael Lehner & Stephan Zirwes (Bern)

Carl Friedrich Weitzmanns Artikelserie Geschichte der Harmonie und ihrer Lehre, erschienen 1859 in der Neuen Zeitschrift für Musik, stellt eine der ersten modernen fachgeschichtlichen Arbeiten der deutschsprachigen Musiktheorie überhaupt dar. Ähnlich wie Hugo Riemanns 40 Jahre später erschienener Geschichte der Musiktheorie dient ihm die historische Perspektive dabei zunächst der Legitimation eigener theoretischer Konzepte, die er erstmals in seinen monographischen Schriften der frühen 1850er Jahre vorgestellt hatte (Der übermäßige Dreiklang 1853, Der verminderte Septimenakkord 1854, Geschichte des Septimenakkordes 1854) und die er 1860 schliesslich zum Harmoniesystem ausbauen sollte. Gleichzeitig leitet er aus der Geschichte der Musiktheorie – verstanden als teleologisches Fortschreiten – eine entschiedene Parteinahme für die Klangsprache Wagners und Liszts ab: Eine «jede solcher Umgestaltungen der Harmonielehre» habe stets einen «heftigen Kampf zwischen den Anhängern der bis dahin als allein giltig erachteten Kunstregeln und denen des angeregten Fortschrittes», zwischen «alte[r] Lehre» und «neuen Regeln» hervorgerufen. Daraus folgt bei ihm jedoch kein primär kultur- oder sozialgeschichtliches Verständnis von Tonalität und Harmonik, wie es etwa Fétis’ Arbeiten durchzieht, sondern der Versuch, den ganz und gar unhistorisch verstandenen Systemanspruch seines Lehrers Moritz Hauptmann beizubehalten, ihn jedoch gleichzeitig zu historisieren und zu aktualisieren. Weitzmann versucht diesen Spagat zwischen Historie und Systematik durch Hegels Einteilung der Kunstformen zu lösen und gliedert «die Entwicklung unserer Harmonie» in «eine symbolische, eine classische und eine romantische Auffassung und Gestaltung des Stoffes.» Dabei verstrickt er sich jedoch in zahlreiche Widersprüche und Inkonsequenzen, die ihm sowohl von konservativer Seite als auch von «Fortschrittlern» (Hauptmann) vorgehalten wurden. Dennoch bleibt sein historischer Ansatz, insbesondere die daraus abgeleitete dualistische Theorie, trotz aller Kritik Orientierungspunkt für spätere Denkmodelle bis hin zur Musiktheorie Hugo Riemanns.

Nathalie Meidhof ist Dozentin für Musiktheorie und Mitarbeiterin in der Forschungsabteilung (Institut Interpretation) an der Hochschule der Künste Bern. Zudem vertritt sie eine Professur für Musiktheorie an der Hochschule für Musik Freiburg i. Br. Sie wurde mit einer Arbeit zur Akkordlehre in Alexandre Étienne Chorons musiktheoretischen Schriften promoviert.

Claudio Bacciagaluppi (Promotion 2008 in Fribourg) ist Mitarbeiter des RISM Digital Center und der Hochschule der Künste Bern. Seine Forschungsschwerpunkte liegen im Bereich der geistlichen Musik des Barocks in Neapel und in der Schweiz sowie der Aufführungspraxis und der Musikausbildung im 19. Jahrhundert.

Michael Lehner unterrichtet Musiktheorie, Gehörbildung und Musikgeschichte an der Hochschule der Künste Bern, dort ist der zudem Mitarbeiter am Institut Interpretation. Arbeitsschwerpunkte sind musikalische Analyse, die Geschichte der Musiktheorie im 19. Jahrhundert und das Musiktheater von Richard Strauss.

Stephan Zirwes studierte Klavier und Musiktheorie in Karlsruhe und Theorie der Alten Musik an der Schola Cantorum Basiliensis. Seit 2008 ist er Dozent für Musiktheorie und Gehörbildung an der Hochschule der Künste Bern und daneben auch in der Forschungsabteilung im Institut «Interpretation» beschäftigt. Im Jahr 2015 wurde er mit einer Arbeit zu den Ausweichungslehren und deren Vermittlung in den deutschsprachigen musiktheoretischen Schriften des 18. Jahrhunderts an der Universität Bern promoviert.

«Music in 1853: Alternative Narratives» (P10)

Candace Bailey, North Carolina

Although Hugh MacDonald’s Music in 1853: The Biography of a Year offers a refreshing approach to celebrated composers of the Classical canon, its title invites challenges not only to the canon’s persistence but also to the fundamental idea that music in 1853 —«classical» music—can be solely viewed from a European perspective. My own research in American music intersects stylistically and chronologically with MacDonald’s, but the complete and utter disconnect between MacDonald’s subjects and my own reaffirms a troubling awareness: why do my findings seem to exist in some parallel dimension that stands outside of but moves in chronological tandem with the standard version of the music history narrative? This paradox begs the question: whose music history are we telling and why?

To counter the prevailing chronicle of music history, this research begins in a place where musicologists have assumed scientific music did not exist: within communities of people of color in the slaveholding South. Traditional scholarship has created a binary that sees «classical» music as the purview of whites only, relegating black music to an oral tradition only. This thinking is false. I will show that both free and enslaved black men and women performed scientific music, the exact repertoire heard in spaces of cultural production created by whites in a strictly segregated society. Furthermore, the music heard across the US in 1853 includes none by MacDonald’s chosen composers—the very heart of the traditional narrative. This paper will demonstrate that the discipline must search deeper to confront biases of race and place in our methodologies; it will apply cultural geography and microhistories to convey a more inclusive understanding of music in 1853. This approach moves past composer-centric frameworks that prejudice a single idea of stylistic development and focuses instead on what music people heard and learned at a given time and place.

Candace Bailey is Professor of Musicology at North Carolina Central University. Dr. Bailey began her work studying seventeenth-century English music but turned to aspects of gender, class, and race in the US South in the 2000s. Her current research interrogates the role of music in women’s culture during the nineteenth century. Her recent publications include Unbinding Gentility: Women Making Music in the Nineteenth-Century South (2021), Charleston Belles Abroad (2019), and Beyond Boundaries: Rethinking Music Circulation in Early Modern England (2017, co-edited with Linda Austern and Amanda Winkler). In 2021, she presented a video on women and war for the Library of Congress and AMS, and she has a forthcoming contribution to a colloquy on music and race in the JAMS.

«Musik – Wissen – Narration: Interdependenzen von Digitalität und Fach­geschichts­forschung» (P06)

Nicole Strohmann, Hannover

Der Vortrag verbindet zwei vergleichsweise junge Arbeitsfelder: die Fachgeschichtsforschung und die Digitale Musikwissenschaft. Ziel ist es, jene Schnittstelle wissenschaftstheoretisch präziser zu fassen sowie die Potentiale, welche die musikbezogene Digitalität aufweist, für die Fachgeschichtsforschung auszuloten. Exemplarisch sei auf den jüngst erschienenen Band «Brückenschläge» (2020), herausgegeben von Andreas Münzmay, Joachim Veit und Steffanie Acquavella-Rauch, hingewiesen, den ich hier stellvertretend für die mittlerweile beachtliche Anzahl an Publikationen nennen möchte. Sein programmatischer Titel, der gleichsam als Kategorischer Imperativ zu verstehen ist, verweist auf den aktuellen Handlungsbedarf, Musikwissenschaft und Informatik stärker als bislang geschehen in den Dialog zu führen. Dies gilt ebenso und insbesondere für fachhistorische Forschungen. Es ist ein theoretisch-epistemologischer Diskurs zu führen, der nicht nur Terminologien schärft, sondern auch Akteure, Methoden und Gegenstände fachgeschichtlicher Forschung aus digitaler Perspektive in den Blick nimmt. Die Historische Netzwerkforschung für Denkschulen und -traditionen ist ein offensichtliches Arbeitsfeld. Darüber hinaus lassen sich jedoch computerunterstützte Verfahren auch fruchtbringend auf die Analyse von Erzählmuster und narrativen Sinn­konstruktionen anwenden. Narratologische Ansätze haben sich in geschichts­wissen­schaftlichen Arbeitsfeldern bereits als hilfreich erwiesen und sollen nun hier im Verbund mit den medialen Voraussetzungen für das Schreiben von Musikgeschichte und deren Auswirkung auf die Konstruktion und Modifizierung von historischen und historiografischen Narrativen anwendet werden. Exemplarisch werden konkurrierende Geschichtserzählungen zu Franz Liszt, wie sie in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhundert (etwa von Lina Ramann) vorgelegt wurden in den Blick genommen und darauf hin analysiert, wie sie bestimmte Ereignisse in diversen narrativen Erklärungsmustern präsentieren.

Nicole K. Strohmann studierte Schulmusik, Musikwissenschaft, Musikpädagogik und Erziehungswissenschaft an der Folkwang Universität der Künste Essen sowie Germanistik und BWL an der Universität Duisburg-Essen; 2005–2008 Wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg; 2008 Mariann Steegmann-Förderpreis: History|Herstory. Promotion mit einer Arbeit zu Gattung, Geschlecht und Gesellschaft im Frankreich des ausgehenden 19. Jahrhunderts. Studien zur Dichterkomponistin Augusta Holmès (Hildesheim: Olms 2012) und Habilitation zum Thema Europäische Musik- und Festkultur in Hannover: Höfische Mobilität, Identität und Kulturtransfer unter Herzog Ernst August und Sophie von der Pfalz. 2012–2019 Wissenschaftliche Mitarbeiterin im Forschungszentrum Musik und Gender an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover, seit 2019 Professurvertretung für Historische Musikwissenschaft ebendort. Forschungsschwerpunkte: Europäische Musikgeschichte des 17.–21. Jahrhunderts, Oper und Musiktheater, Kulturgeschichte der Musik, Fachgeschichte Musikwissenschaft, Musikhistoriographie und Digital Humanities.

Multimodal, vernetzt… und divers? Musikwissenschaft innerhalb nationaler Forschungsdateninfrastrukturen (P07)

Barbara Alge, Frankfurt am Main

Dieser Vortrag beleuchtet die Verortung der Musikwissenschaft im Rahmen des Aufbaus nationaler Forschungsdateninfrastrukturen in Deutschland, insbesondere innerhalb des Konsortiums NFDI4Culture, das sich materiellen und immateriellen Kulturgütern widmet. Er argumentiert, dass sich eine multimodale und vernetzte Musikwissenschaft im Rahmen der digitalen Transformation durchaus abzeichnet, aber durch aktuell zur Verfügung stehende digitale Werkzeuge und virtuelle Forschungsumgebungen die Diversität unterschiedlicher methodischer Ansätze in der Musikwissenschaft nicht vertreten ist. Der Vortrag zeigt Beispiele aus der musikwissenschaftlichen Praxis, um am Ende zu diskutieren, ob eine digitale Musikwissenschaft in Zukunft über digitale philologische Methoden und Music Information Retrieval (MIR) hinausgehen kann. MIR ist für die Analyse europäisch geprägter musikalischer Formen, strukturelle Analysen, vergleichende Analysen, Korpus-Analysen und die Analyse quantitativ erhobener Daten gut eignet, für die Analyse musikalischen Verhaltens, performativer Ethnographien, Musiksysteme unterschiedlichster Kulturen und qualitativ erhobener Daten allerdings weniger. Letztendlich stellt der Vortrag die Frage, wie vielfältig eine Musikwissenschaft im Rahmen der NFDI-Struktur sein kann und auf welche NFDI-Angebote eine vielfältige Musikwissenschaft zurückgreifen müsste. Im Rahmen möglicher Lösungsansätze für die Musikethnologie im Speziellen wird auf Best Practice Beispiele aus dem internationalen Raum, insbesondere aus den USA, Großbritannien und Australien eingegangen.

Barbara Alge ist seit 2019 Professorin für Musikethnologie an der Goethe-Universität in Frankfurt am Main. Zuvor hatte sie diese Stelle seit 2017 vertreten. Von 2009 bis 2017 wirkte sie als Juniorprofessorin für Ethnomusikologie an der Hochschule für Musik und Theater in Rostock. Während ihrer Zeit in Rostock hatte sie eine Gastprofessur in Ethnomusikologie an der Universidade Federal de Minas Gerais (2013) und an der Universität Wien (2016) inne. Sie ist u.a. Autorin von Forschungsdatenmanagement in der Musikethnologie (2019, UVH/Olms) und Gold, Festivals, and Music: Sounding Portugueseness (2021, Routledge).

«Musicology and its Colonial Heritage: A Plea for the Decolonisation of our Discipline» (P08)

Anja Brunner, Wien

One of the first issues first-year students of musicology are taught in Germany, Austria and Switzerland is the division of the discipline in «sub-disciplines». This fragmentation into historical musicology, systematic musicology and ethnomusicology was also featured in the Call for Papers for this conference. The separation of the (German-speaking) academic world by musical phenomena and research practices is prevalent in institutions, in research topics, MA curricula and in the categorisation of university staff. Yet, this neat separation has in fact proven to be fragile for decades now, be it through the rise of Popular Music Studies and Sound Studies or by the striking transnational entanglements of global music(s) and music histories. Nevertheless, the separation remains.

In my talk, I demonstrate that this separation is part of the problematic colonial heritage of musicology and I ask why we have persistently succeeded in maintaining this division. One aspect I find especially critical in this matter is the separation of music in «one’s own» and the «Other» music. It assigns certain music to be researched by historical musicology and other music to be researched by ethnomusicology. Though there have been attempts from ethnomusicology and from historical musicology to legitimise their respective sub-discipline through methodical practices and methodo­logical premises, still, the choice of a specific music as research topic remains a central criterium of the sub-disciplinary categorisation. The underlying concepts date back to the colonial paradigms that Guido Adler, as a person living in colonial times, had internalised – paradigms, that have long since been challenged in other fields which have already generated useful theoretical debates. Especially in times of extensive global migration and climate crisis, a timely musicology has to confront its colonial heritage, reflect it in broad terms, and shape the future of the discipline accordingly.

Anja Brunner is an ethnomusicologist at the Music and Minorities Research Center at the University of Music and Performing Arts Vienna. She leads the research project «Women Musicians from Syria: Performance, Networks, Belonging/s after Migration», funded by the Austrian Science Fund (FWF). Anja Brunner gained a doctorate in musicology from the University of Vienna (Austria) with a dissertation on the Cameroonian popular music bikutsi. She has been working as a university lecturer and researcher at the University of Vienna (Austria, 2010–2015) and the University of Bern (Switzerland, 2016–2018). Her research and publications focus on issues of music and migration, questions on music and (postcolonial) politics, questions of intersectionality in music research, and African popular music.

«Ethnomusicology: Has it Been a Success Story?» (P09)

Marcello Sorce Keller (Lugano / Bern)

The story of ethnomusicology is in many ways a success story. Western culture at large should be proud of it. We in the West are – like everybody else in the world – ethnocentric. Nonetheless a group of Western scholars, with background in music and/or anthropology, felt the curiosity of looking beyond the concept of music they were brought up with. They even had the courage of questioning the universality of the Western canon. In short, ethnomusicology was born. Its beginnings were humble, but the amount of knowledge produced over time is breathtaking.

While studies concerned with the Western written tradition progressively gained academic ground throughout the XIX century (at first as «music history», later under the broader concept of «musicology»), only in the late 1950s a few ethnomusicology programs came into existence in the United States.

Today ethnomusicology is academically anchored to many universities across the world. It has to be observed, however, how far it is from enjoying space comparable to its sister discipline – that one «musicology» focusing on the written tradition of the West.
The major success of ethnomusicology is obviously the body of scholarship it produced. In academia, it certainly was less successful. But there is an area where – in my view – it sadly failed. In fact, most people, to this day, look at music through a late romantic European distortion lens. They conceptualize music using categories whose validity has been questioned for about a century by philosophers, cultural historians, social scientists and – yes – ethnomusicologists! In this paper I would like to explain what they are.

Marcello Sorce Keller was originally a pop music pianist and arranger. He later decided to get serious and obtained a Ph.D. in musicology at the University of Illinois with Bruno Nettl. He now lives in Lugano, alone, without even cats or dogs who would certainly have a hard time putting up with him.

«Beginnings and Transitions: Challenges of Narrating Ethnomusicology» (P12)

Britta Sweers (Bern)

Abstraction is often both a scientific necessity and a challenge – especially when conveying a disciplinary history, such as ethnomusicology. Discourses on its own history have been present within ethnomusicology since the 1960s when the first textbooks were published in the United States. On the one hand, the subsequent establishment of narrative cornerstones can be understood as an expression of a growing professional identity. On the other hand, with the unavoidable implementation of central keywords and definitions, historical details and alternative narratives can easily get lost. This dilemma becomes particularly apparent within a pedagogical context. The students’ desire for «textbook knowledge» and catchwords clearly contradicts the (time-consuming) ethnomusicological principle of trying to understand cultures in their context. Moreover, the increasingly abstraction of the disciplinary history into a mixture of established narratives, myths, iconic figures, and quotations/ approaches has not only covered many important historical research questions but is also not always entirely correct.

Falling back on classroom experiences, this presentation focuses on the beginnings and re-inventions of the discipline in the late 19th /early 20th century and in the 1950s. Within a global disciplinary network, the ethnomusicological narrative has been strongly dominated by an Anglo-American perspective that has partly excluded alternative national histories, not least due to the lack of translations. Furthermore, folk music research that was often undertaken outside academia was excluded, as were early female researchers who were not yet allowed to obtain professorships. Another debate concerns the so-called «failure» of Comparative Musicology, which constitutes a narrative keystone of the discipline. However, a closer analysis conveys a much more complex situation, not only regarding the iconic «failure», but also the subsequent transition into ethnomusicology. Yet, how far is it actually possible to alter established narratives within a discipline? And what are the pedagogical implementations?

Britta Sweers, Ph.D., is Professor of Cultural Anthropology of Music at the Institute of Musicology (since 2009) of the University of Bern, Switzerland. She is also steering board member of the University’s Center for Global Studies at the Walter Benjamin Kolleg, after having been Director of the Center for Global Studies (2015-2019). She has been President of the European Seminar in Ethnomusicology (ESEM) since 2014. Major publications include Electric Folk: The Changing Face of English Traditional Music (2005), Polyphonie der Kulturen (CD/CD-ROM 2006/8), Grenzgänge – Gender, Race und Class als Wissenskategorien in der Musikwissenschaft (ed.; w. Cornelia Bartsch, 2015), Cultural Mapping and Musical Diversity (ed.; w. Sarah Ross, 2020), and Climate Change, Music and the North (ed., 2020). She is co-editor of the European Journal of Musicology and editor of the Equinox book series Transcultural Music Studies.

«Music and Narratives of Empowerment» (P13)

Golan Gur (Vienna)

The paper explores various arguments and narratives employed during the late nineteenth and twentieth centuries in describing the experience of music as a form of social empowerment. My focus is on the historiography and critical interpretation of music – especially by canonical composers such as Ludwig van Beethoven and Richard Wagner – in various contexts of socialist and left-wing politics: the labour movement of the pre and interwar period, with its roots in utopian socialism and Marxism, and the socialist realist aesthetics of state socialism in the GDR. Proceeding from this, I will probe the shared aesthetic and narrative elements underlying interpretations of music as an emancipatory experience and discuss the relevance of these elements for present day assessments of the political nature of classical and romantic music. Countering the widespread notion that the social content of music is defined, or at least delimited, by its original social milieu, I will argue that discursive reception and institutional contexts represent crucial factors in our understanding of music’s political implications. Bringing together insights from practices of discourse analysis and the sociology of emotions, I will further explore the complex interplay of these factors with the expressive dimension of music in generating an aesthetic sense of empowerment.

Golan Gur is a musicologist specializing in the aesthetics and cultural history of music from the nineteenth century to the present. He studied at Tel Aviv University and the University of Munich and completed his doctoral studies at the Humboldt University of Berlin. Following this, he pursued postdoctoral research at the University of Cambridge as a Newton International Fellow of the British Academy. He held further research positions at the University of Pennsylvania’s Herbert D. Katz Center for Advanced Judaic Studies, IFK Vienna, and the University of Mainz. He serves as principal investigator of the FWF research project «Proletarian Voices: Emotion and Tradition in the Austrian Workers’ Music Movement,» based at mdw – University of Music and Performing Arts Vienna.